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Cette exposition sur 5 jours présente la vision de deux auteurs-photographe sur un thème commun ; celui de la nature. Pour réaliser ce travail Elizabeth Prouvost et Jonathan Abbou se sont associés avec la GALERIE CHARDON spécialisée en taxidermie. C'est autour de ces animaux empaillés, comme éléments de base à ce travail, que les deux artistes confrontent leurs points de vue créatifs. Utilisant le medium traditionnel de la photographie, il s'agira, par l'image, de redonner une « troisième vie » à ces natures mortes.Jonathan Abbou n'est pas en reste côté actu : "j'ai deux expositions en ce moment qui arrivent : la première pour ceux qui sont à paris à ce moment là et l'autre est collective, dans un musée, avec les artistes dont je consultais les livres à la bibliothèque, quand j'étais étudiant à l'ETPA ; ça fait drôle, parce qu'ils sont vieux ! mais c'est mieux que dans les livres (...) sachez aussi que je serais du coté de Auch le 2 Juin, pour une expo plus rigolotte "Herbier et autres bestioles"."Pour suivre son actu : http://www.jonathanabbou.com/Pour en savoir plus sur Jonathan :https://www.etpa.com/photographie/anciens/jonathan-abbou

« Mal de Mer » est l'exposition d'Anthony Jean, photojournaliste et ancien étudiant de l'ETPA, qui aura lieu dans les locaux des Laboratoires PHOTON de du 15 mars au 12 juin 2018 à Toulouse.Il a passé plus de 4 mois en mer sur l'année 2017 à photographier des opérations de sauvetages au larges des côtes libyennes, principalement sur l'Aquarius de l'ONG SOS MEDITERRANEE France, pour témoigner.Il se confie sur cette expérience :"Prendre la mer sur les plages libyennes pour rejoindre l'Italie c'est s'engager sur l'axe migratoire le plus mortel au monde, on estime actuellement à 50 000 le nombre de corps au fond des eaux internationales. En 2017, 120 000 candidats à l'exil sont arrivés vivants au bout de ce périlleux voyage.Ces hommes, femmes, enfants fuient la pauvreté, la guerre, la persécution, la torture et l'esclavage, ce qu'ils appellent L'enfer libyen … Aussi lorsque des ONG affrètent des navires pour porter secours à leur embarcation en détresse, il m'est donné de photographier sur le pont de ces bateaux ceux qui ont survécu à l'une des épreuves les plus traumatisantes de leur vie. Avant qu'ils se préparent à accoster sur le sol européen, dans cet instant d'insouciance entre deux mondes, entre ciel et mer, s’opère alors comme une renaissance."A VOS AGENDAS !Ne ratez pas le vernissage le jeudi 15 mars à 18h aux Laboratoires PHOTON, 8 rue du Pont Montaudran à Toulouse.Durée de l'exposition : du 15 mars au 12 juin 2018.

Basé à Paris, l’artiste plasticien Julien Mauve explore dans son travail les interactions humaines et les conditions de la vie moderne. Sa série d’images intitulée « After Lights Out » (à la tombée du jour) se situe dans une ambiance obscure, entre chien et loup et nous plonge dans le silence, la solitude et la vacuité, renvoyant à notre rapport à la lumière artificielle et à la photographie même. Ses paysages extérieurs réalisés entre 2013 et 2017 se font à la tombée du jour et sont tous ponctués d’une seule source de lumière artificielle, comme si celle-ci n’avait pas encore été éteinte ou venait juste d’être allumée. De nos jours, les nuits noires se font rares dans les villes, la pollution lumineuse cache les étoiles et les écrans des téléphones portables illuminent les visages et les rues.Julien Mauve raconte à l’aide de cette série que « dans l’obscurité de l’espace, la lumière est un phare d’espoir ». Il a voulu donner un aspect mystique à ses photographies et explique que dans un monde en noir et bleu, l’incandescence d’une seule ampoule pourrait être la plus grande promesse d’une aventure sur le point de commencer. Rendez-vous sur son site pour en savoir plus sur cet artiste en quête de sens et à la démarche introspective teintée de poésie.

Originaire du petit pays d’Amérique centrale, le Salvador, Jorge Alva (aka Urbanentdecker) navigue aujourd’hui entre Varsovie et Berlin, où il exerce en tant que photographe d’architecture urbaine. Toute sa démarche consiste à observer les choses qui l’entourent dans une perspective différente, ce qui l’amène à prendre des risques et à sans cesse tenter de nouvelles approches. Il explique que le fait d’avoir grandi dans un petit pays lui donne une sensibilité accrue aux détails et à la beauté des petites choses. Les difficultés de l’apprentissage de la photographie, tout comme le médium en lui-même, font partie intégrante de sa passion. Ses créations révèlent des compositions très soignées, souvent remplies de jeu de symétrie ou de formes géométriques dans des perspectives étirées, déformées. On peut notamment découvrir sur son site, une page spéciale consacrée à un projet intitulé « Staircase Project » (le projet des cages d’escalier), sur laquelle apparaît une série de photographies d’escaliers toutes plus graphiques les unes que les autres. Jorge Alva aime le contraste entre l’ancienne et la nouvelle architecture que l’on peut trouver mélangé dans de grandes villes comme Varsovie. Par ses images, il réussit à nous montrer sa propre réalité, et développe un regard sur le monde qui mérite que l’on s’y attarde.

Pour célébrer ses 10 années d’existence, la galerie parisienne Polka a organisé cet hiver une exposition regroupant deux grands photographes de renom, Sebastiao Salgado et Marc Riboud. Le thème a été choisi à l’aide de leurs épouses respectives et s’intitule « Femmes du Monde ». On y découvre de magnifiques images en noir et blanc des femmes que ces deux hommes ont rencontrés au cours de leurs différents reportages. Les photographies choisies de Salgado retracent ses 45 ans de carrière et montrent des femmes au milieu de guerres, de crises ou dans des conditions de travail difficiles. Elles sont là, au milieu du chao, et témoignent de leur force, de leur résistance, de leur présence et de leur soutien à leurs proches. Quant aux photographies d’en face, celles de Riboud, ce sont des grands formats, pour la plupart des tirages uniques. Certaines ont marqué l’histoire, comme celle où cette femme, Jan Rose Kasmir (« La fille à la fleur ») tient une fleur dans ses mains devant une rangée de soldats armés, fixant un militaire dans les yeux, pendant une marche contre la guerre du Vietnam en 1967. Ces deux photographes, humanistes et ouverts sur le monde, ont été attachés tout le long de leur carrière à montrer la grâce et la beauté des femmes, en faisant fi des clichés iconographiques ou culturels, en montrant leur vrai visage, dans la vraie vie.

De New York à Paris en passant par Berlin, la rétrospective consacrée au photographe américain Irving Penn fait le tour du monde et marque le centenaire de sa naissance (1917-2009). Ses soixante-dix années de carrière parcourent les murs des musées du monde entier, avec plus de 200 tirages tous réalisés de son vivant et de ses mains. Il tenait à développer lui-même toutes ses images et passait des heures en chambre noire à travailler ses nuances de gris, de blanc et de noir. Surtout connu pour ses photos de mode, on y découvre aussi des séries sur les « petits métiers », les peuples du monde, les portraits, les natures mortes, les nus et les détritus. Après des études de design, il devient graphiste dans une université d’art avant de se mettre à son compte. Il est très vite recruté pour intégrer l’équipe de photographes du magazine Vogue, pour lequel il réalisera sa première nature morte. Pendant près de 60, il travaillera régulièrement pour le magazine. Sa carrière se compose principalement de séries réalisées en studio, en présence d’un rideau simple peint, d’un petit tabouret, d’un trépied et d’un boîtier (très souvent un Rolleiflex). En plus de la dimension très graphique de ses clichés, il prenait un soin tout particulier à mettre en avant la personnalité des modèles ou des célébrités avec lesquelles il collaborait. Pour cela, il aimait prendre du temps avec eux, afin de créer un lien, et capturer des instantanés éternels, révélateur de leur personnalité.

Matthieu Sorey Garnier est un jeune photographe exerçant actuellement en région parisienne. Il se spécialise tout particulièrement dans les clichés de mode et la photo de portraits. Nous le découvrons aujourd’hui à travers une magnifique série de photographies de poissons rares, intitulée « Star Fish ». Sur un fond noir délicatement « étoilé », les macrophotos de l’artiste mettent en exergue tous les détails et les multitudes de couleurs de différentes espèces de poissons, aux coloris et aux formes incroyables. Photographiés les uns après les autres, ces portraits pour le moins inhabituels sont réalisés avec brio dans des conditions de studio. Pour sa lumière, il utilise un kit d’éclairage Elinchrom, un aquarium artisanal dans lequel il a su recréer un véritable écosystème, capable de capturer ses étonnants sujets dans des conditions optimales. Équipé du Canon 5d Mark III et d’un objectif Macro, il met en avant toute la beauté de ces curieuses créatures comme si elles prenaient la pose à sa demande. En plus de cette série « Star Fish », il présente sur son site de nombreux autres travaux, personnels et commerciaux, dans lequel on retrouve avec constance une lumière toujours très soignée et des mises en scène souvent poignantes. 

Pour la seconde intervention dans le cadre du cycle annuel 2017-2018 « Les grands témoins de la photographie », Pauline Auzou, responsable de la photographie au magazine Vogue Paris et ancienne étudiante de l'ETPA, vient de rencontrer les étudiants en formation Photographie.    Parmis les thèmes abordés, elle a montré comment sont "fabriquées" les séries mode d'un magazine comme Vogue Paris.Pour ce faire, Pauline a pris pour point de départ une série de mode publiée dans le magazine ; il s'agissait de décortiquer les acteurs qui y contribuent et les contraintes inhérentes à un shoot éditorial de mode.    Après deux années passées à Sydney, entre autre, comme coordinatrice éditoriale du magazine Dazed & Confused, Pauline Auzou a travaillé à l’Agence Vu au service éditorial pendant plusieurs années avant de devenir responsable de la photographie au magazine Vogue Paris.   Cette conférence dont la modération était assurée par Philippe Guionie, enseignant en Cultures et Sémiologie de l’image, s'est déroulée à l’école dans l'auditorium.

Le concours « Hasselblad Masters Awards », du nom du célèbre fabricant, représente l’un des plus prestigieux évènements mondiaux de la photographie professionnelle. Des participants du monde entier sont invités à soumettre trois de leurs meilleures photographies en vue de concourir au titre de « Maître Hasselblad » de l’année. Le prestige de la récompense s’accompagne par un statut d’ambassadeur de la marque pendant deux ans, et donne l’occasion de recevoir l’un de leur boîtier moyen format pour participer à un projet collaboratif. Pour cette édition 2018, le nombre de participants a explosé avec pas moins de 31 500 images envoyées, soit une augmentation de 175% par rapport au concours de 2016 ! Plus de 10 000 participants ont concouru à travers les onze catégories proposées : Art – Paysage/Nature – Mariage – Portrait – Mode/Beauté – Produit – Architecture –Wildlife (faune) – Project//21 (ouverte seulement au moins de 21 ans) – Photographie aérienne – Photographie de rue/urbaine.Un premier jury d’employés d’Hasselblad s’est réuni pour sélectionner une dizaine de finalistes par catégorie, puis un jury final composé de professionnels a sélectionné les gagnants en jugeant les images selon leur créativité, leur technique et leur composition. Une cérémonie de remise de prix se déroulera à Cologne en Allemagne lors du prochain festival Photokina, au mois de septembre 2018. Nous avons d’ailleurs déjà évoqué dans nos colonnes certains des lauréats, comme Jorge de la Torriente ou encore Maria Svarbova, et nous aurons sans doute l’occasion de vous en présenter quelques autres prochainement.

Luke Stephenson exerce en tant que photographe indépendant en Grande-Bretagne depuis 2005. Originaire de Darlington, au nord-est de l’île, la psyché britannique fait partie intégrante de son œuvre. Ses séries de portraits sont toujours abordées avec humour. Elles représentent la dimension excentrique de l’Angleterre et abordent des sujets variés, allant de cornets de glace à des visages maquillés, en passant par des œufs déguisés en clown… Dans sa dernière série, intitulée « An Incomplete Dictionary of Show Birds » (Un dictionnaire incomplet d’oiseaux d’élevage), il s’attaque à des portraits d’oiseaux de différentes espèces. Ceux-ci prennent la pose un par un sur un perchoir, s’harmonisant avec un fond uni dont la couleur change au besoin. En 2009, Luke Stephenson découvre le monde très particulier des concours d’oiseaux, comme il en existe pour les animaux domestiques.  Depuis il n’a cessé de photographier des espèces de plus en plus rares et exotiques, devenant malgré lui un collectionneur d’images et un observateur passionné. Mêlant son style particulier au standard formel du portrait en studio, il arrive à insuffler à ces volatiles une présence presque humaine. Difficile dans l’absolu de faire poser une perruche ; le photographe londonien a dû mettre en place une technique particulière de studio mobile, c’est-à-dire une boîte en bois avec un seul perchoir, afin que l’oiseau se pose toujours au même endroit. Luke Stephenson expose actuellement sa série à la galerie des photographes à Londres, jusqu’au 19 février.

Quelle est ta formation ?  En 2013 j’obtiens un bac en sciences et technologies du design et des arts appliqués à Anglet. J’intègre ensuite l’ETPA en classe de praticien photographe pour deux ans puis la 3ème année d’approfondissement avec Pierre Barbot, responsable du pôle photo, d’où je sors diplômée en 2016. Quel est ton parcours depuis l’ETPA ? Depuis ma sortie de l’école, je vis et travaille à Toulouse à mon compte en tant que photographe artiste auteur. D’une part pour des commandes (entreprise/événementiel/architecture..). Et d’autre part sur mes projets personnels, comme la série « Lumen » que j’ai terminé 1 an après ma sortie d’école. La série a été sélectionnée parmi les 10 finalistes du « World Report Award catégorie Spot Light Award en septembre 2017 » lors du festival della fotografia etica (Italie). Puis publié en tant que portfolio dans le magazine Causette en décembre 2017.  Comment as tu été publiée dans le magazine Causette ?Depuis la fin du projet « Lumen », je voulais tenter d’être publiée en presse, j’ai donc préparé un book avec mes images puis envoyé des mails afin de me présenter à quatre rédactions de quatre magazines différents dont Causette. La responsable photo du magazine Causette m’a répondu qu’elle souhaitait me rencontrer à la rédaction lors de mon passage sur Paris quelques jours plus tard. Après l’entretien, le magazine a décidé de me publier et nous avons travaillé sur la maquette avant la sortie en kiosque du magazine le mois suivant.  Parallèlement, certaines personnes de mon réseau m’ont effectivement aidé en m’indiquant comment rentrer en contact avec la presse puis Pierre Barbot m’a ensuite aidé et encouragé sur la préparation de mon book et des mails que j’ai envoyé.  Pourquoi avoir choisi le sujet des religieuses ? quelle était ton intention ? Le sujet des religieuses c’est un peu imposé à moi comme une évidence lorsque ma grand-mère ma parlé des nones qui venaient de s’installer près de chez elle. N’étant pas croyante, je ne comprenais absolument pas comment on pouvait encore faire le choix de vie qu’est celui d’une religieuse. Mon intention première a donc été d’aller à leur rencontre afin de comprendre comment elles avaient atterri dans un couvent, pourquoi avoir choisi ce rythme de vie dans une société qui se détache de plus en plus de ses antécédents catholiques. C’est un travail que tu as commencé lors de ton cursus à l’école, peux-tu nous en dire plus sur la génèse du projet ?   En fait c’est un travail que j’ai débuté en seconde année, nous devions rendre un dossier comportant huit sujets photographiques dont un reportage. C’est dans ce cadre-là que j’ai commencé la série « Lumen ». En troisième année je ne voulais plus continuer mon travail avec les religieuses j’avais envie de nouveauté. C’est Pierre Barbot qui m’a remis sur cette voie après m’avoir laissée patauger plusieurs semaines sur d’autres projets. Nous avons abordé le sujet d’une autre manière, après avoir vu ce qu’était la vie au couvent je me suis intéressée au parcours des six jeunes femmes de la communauté et me suis centrés sur une en particulier dont le parcours m’avait touchée car il était aux antipodes de ce que je pouvais imaginer.   Quels seraient les conseils que tu donnerais aux étudiants actuels ? L’école permet d’aborder des tas de sujets et de tester beaucoup de choses afin d’essayer de trouver ce qui plaît à chacun. Il faut saisir tout ce qu’il y a à apprendre auprès des intervenants et des enseignants. Je pense aussi qu’il est très important de profiter d’être à l’école pour se donner à fond dans ses projets afin de commencer à créer un book qui est la seule chose qui nous représente lors de notre arrivée dans le milieu du travail.  Quels sont tes projets ? J’ai plusieurs projets en tête pour la prochaine année, mais le principal est de partir en Afrique afin de démarrer une nouvelle série sur la jeunesse des pays défavorisés. C’est un projet qui me tient à coeur et que j’espère pouvoir réaliser d’ici à la fin 2018.

Le photographe Alan Schaller a récemment présenté « Metropolis », une série de photographies en noir et blanc dépeignant une forme de mal-être contemporain, la sensation d’être perdus dans un monde moderne qui nous dépasse. Visuellement, les travaux d’Alan Schaller se composent de forts contrastes lumineux, de formes géométriques provoquées par l’architecture et des compositions toujours très travaillées, mettant en scène des personnages captés dans des actions du quotidien. Il parle à travers cette série, de la disparition progressive de la communication réelle au profit des médiums numériques, du piège béant tendu par les promesses des mondes virtuels.... Pour ce projet, il a choisi des lieux urbains classiques, des ambiances de tous les jours, afin de les réinventer à travers des combinaisons d’ombre et de lumière. Basé à Londres, Alan Schaller réalise également des projets en couleur, mais le noir et blanc reste sa tonalité de prédilection. Il utilise un boîtier Leica Monochrom (Typ 246), très simple d’utilisation, qui ne le quitte jamais. On lui doit aussi la cofondation du collectif « Street Photography International » (SPi) dont le compte Instagram fait partie aujourd’hui de la plus grande ressource mondiale dédiée à la photographie de rue. Le SPi a été créé dans le but de promouvoir les meilleurs travaux de ce genre photographique, donnant par la même occasion la possibilité à des photographes non représentés, de présenter leur travail. La série « Metropolis » est actuellement exposée à Londres jusqu’au 2 février 2018, au Leica Store City.