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Hiroshi Sugimoto est un artiste-photographe japonais qui a développé au cours des dernières décennies une approche artistique de la photographie très singulière, en se basant sur des techniques argentiques traditionnelles. Il tient cette volonté d’une profonde fascination pour la lumière, aussi bien sous sa forme physique que pour tout ce qu’elle symbolise sur le plan spirituel. Pour lui, le choix du sujet et l’acte de photographier, sont toutes deux des tâches tout aussi essentielles que le choix de la pellicule, de son développement jusqu’à son impression sur un support papier.Il explore l’histoire entière de la discipline depuis ses débuts, sans jamais se donner la moindre limite quant au choix de ses sujets.Objets de design, paysages, scènes de musées, fossiles, des personnalités telles que Yasser Arafat ou Fidel Castro, mais aussi des phénomènes lumineux tels que la propagation de la lumière sur des matériaux très spécifiques ou encore l’observation de phénomènes électromagnétiques.À travers ses nombreuses séries, il offre un regard tout aussi fort que délicat sur le monde. Depuis la fin des années 70, les passionnés d’art ont pu découvrir ses travaux dans les plus grandes galeries du monde, de New York à Tokyo, en passant par Édimbourg, Londres ou Paris, et il continue de travailler et d’exposer encore aujourd’hui.sugimotohiroshi.com

Jeune photographe natif de Lourdes et ancien étudiant ETPA de la promotion 2015 en Formation Praticien Photographe, Tristan Pereira exposera ces photos à l'Espace EDF du Bazacle à Toulouse du 22 Mars au 1er Mai 2016.Comment s'y rendre ?Espace EDF du Bazacle11 quai Saint-Pierre31000 ToulouseTél. : 05 62 30 16 00tristanpereira.comEspace EDF du Bazacle

Le photographe toulousain Olivier Valsecchi, ancien étudiant ETPA et Grand Prix de photographie 2009 de l'ETPA, expose à l'OPIOM Gallery sa série photographique "Drifting" du 5 février au 14 mars 2016.Après 10 ans de pratique de l'autoportrait en autodidacte, il développe depuis quelques années un travail sur la mise en scène du corps humain.Sa série "Drifting" met donc en scène des corps nus allongés à la manière des peintres hollandais classiques du 17ème siècle.Se rendre à l'exposition :OPIOM Gallery11 Chemin du Village06650 OpioDate : du 5 février au 14 mars 2016Crédits photo : © Olivier Valsecchi opiomgallery.comoliviervalsecchi.com

Nicolas Rivals, photographe plasticien, diplômé en photographie à l'ETPA et Lauréat du Grand Prix ETPA 2013 et également à l'origine du collectif Prisme Noir (composé de 7 autres photographes), a lancé un projet sur le site de crowfunding Ulele intitulé "La Linea Roja"."La Linea Roja" est un projet photographique qui a vu le jour en Espagne (d'où le nom de "Linea Roja) il y a un peu plus de 6 mois et dont l'objectif est de créer une relation esthétique entre un environnement naturel et une installation lumineuse.Ses photos sont réalisées en pose longue (plus de 5 minutes) et dans la nuit noire, à l'aide de structures qu'il réalise lui-même ou en light painting afin de dessiner des formes lumineuses dans la nuit.Nicolas a besoin pour son projet, d'un financement à hauteur de 2500€ pour, non seulement acheter du matériel de lumière, mais aussi financer des déplacements prévus partout en France. La Linea Roja - Ulelenicolasrivals.com

S’il est des photographes qui ont littéralement traversé toute une moitié de XXe siècle en marquant de leurs clichés un pan de l’histoire du monde occidentale, Ken Regan fait définitivement partie de cette catégorie. En 1970, il crée sa propre agence, Camera 5, et avec une quinzaine de collaborateurs photographes, il couvrira pendant plusieurs décennies l'actualité du monde. Son regard couvre toute son époque : à travers les États-Unis dans leur ensemble, la guerre du Vietnam, plusieurs conflits dans le golfe persique ou ceux en Bosnie…Il a aussi énormément travaillé en Afrique, notamment sur des sujets comme les épidémies de famines en Éthiopie. À travers un parcours hors normes,il a aussi eu la chance de suivre des tournées de grands noms de la musique rock tels que Bob Dylan ou les Rolling Stones, ou couvrir des évènements comme Woodstock ou le célèbre spectacle d’aide au Bangladesh organisé par George Harrison en 1971.Plus de 200 de ces photographies ont été utilisées pour faire la couverture de grands magazines. Depuis une vingtaine d’années, il collabore aussi avec l’industrie du cinéma et a notamment travaillé au côté du réalisateur Jonathan Demme sur des films comme Philadelphia ou le Silence des Agneaux. Il continue d’exercer aujourd’hui et profite de la moindre occasion pour participer à des conférences dans des écoles de photographie ou de journalisme.Ken Regan

Tyson Wheatley est un photographe professionnel profitant d’un solide parcours journalistique. Suivant de très près la révolution Internet, il a totalement embrassé l’utilisation des réseaux sociaux pour la mise en avant de ses travaux. Ses comptes Twitter et Instagram sont d’ailleurs devenus des supports désormais incontournables dans son quotidien. Il est aujourd’hui devenu une véritable sommité sur la toile, et compte plus de 600 000 followers!Chaque reportage, chaque voyage est pour lui une nouvelle occasion d’émerveiller son public en mettant tout son talent au service de son objectif. Photographe, mais pas seulement, il profite d’une expérience de 11 ans en tant que journaliste pour la chaine américaine CNN, où il a notamment été en charge de la création de la branche Asie-Pacifique du site internet de la chaine, basé à Hongkong. S’il collabore encore avec la rédaction, il a commencé en 2013 une activité de reporter indépendant afin de se concentrer davantage sur ses photos, ses voyages et sa famille.  Sa fascination pour Instagram l’amène à utiliser quotidiennement son téléphone dès que l’occasion se présente, mais pour ses travaux sérieux, il utilise en priorité l’un de ces boitiers Canon 5D et 6D, équipés d’objectifs polyvalents, de type 24-70mm f/2.8 ou 17-40mm  f/4.yysonwheatley.com

Dans le monde de la photographie, le métier de photographe de presse est une profession souvent très prisée des professionnels en devenir.Le rôle du photographe de presseCe professionnel de l'image est souvent un baroudeur dans l'âme. Toujours par monts et par vaux, il recherche LA photo qui sera choisie par les rédactions et autres agences de presse pour enrichir leurs papiers. Dans son quotidien, il peut soit travailler sur commande, en lien avec un rédacteur en chef, soit proposer directement ses clichés aux supports de presse (journaux, news magazines...) susceptibles de les publier. Le photographe de presse balade son matériel au gré de l'actualité, se déplace sur le terrain, où sa présence ne doit pas se ressentir. C'est justement sa discrétion et sa réactivité qui lui permettront de capturer les clichés les plus pertinents, les plus réalistes, et par conséquent les plus à même de trouver preneur.Ses compétencesSpectateur, il est malgré tout très actif dans sa recherche de l'image qui viendra illustrer mieux qu'une autre un sujet. Pour ce faire, son sens du timing, et sa sensibilité artistique sont ses meilleurs alliés ; ils lui permettront de trouver le bon angle de prise de vue, le bon cadrage, ou encore la bonne lumière.Son rôle d'information lui impose d'être très au fait de l'actualité, et de bien maîtriser les sujets qu'il traite.En post-production, le photographe de presse est souvent amené à retoucher ses photos, dont il peaufine l'esthétique sans pour autant les dénaturer, afin de retranscrire le plus fidèlement une émotion, une idée ou une histoire.Pour aller plus loin :Yann Castanier, ancien étudiant de l'ESMA devenu aujourd'hui photojournaliste, nous présentait il y a peu son activité professionnelle.yanncastanier.com

Theo Gosselin est un jeune photographe qui a commencé à se faire remarquer en publiant ses travaux sur la toile. Initié dès l’adolescence à l’art de la photographie, il commence ses études par une formation en design graphique sans jamais se détourner de sa passion première. Il exerce aujourd’hui en tant que photographe professionnel et explore dans ses travaux une esthétique intimiste très personnelle qui submerge immédiatement le regard du spectateur.À travers une dimension à la fois nouvelle vague et Old School, il met en scène ses nombreux voyages, ses rencontres et même sa vie personnelle au service d’une grammaire graphique simple et épurée qui respire un vent perpétuel de liberté. Un peu comme une quête de rêve américain des années 60 ou 70, mais revisitée à sa manière.Dans ses clichés, il tente de dépeindre et de partager son propre regard sur le monde. Si le numérique lui a permis de faire ses premiers pas, il confie aujourd’hui ne plus voyager qu’avec deux boitiers argentiques (un Nikon F2 et un Leica R4, avec des optiques 24, 35 et 50 mm). On lui doit par exemple la dernière affiche du Salon de la Photo 2015, mais c’est sur son site que vous vous ferez une idée plus précise de son univers.theo-gosselin.blogspot.fr

Entre autres projets, l’aventure des "cabanes de nos grands-parents" a conduit Nicolas Henry à traverser 40 pays et à réaliser plus de 400 portraits. "Lorsqu’on est enfant, la cabane est l’espace du jeu et de l’imagination. On transforme un drap en océan et quelques livres deviennent les îles habitées de Papous et de Robinsons. Petit, mon grand-père m’a appris à manier le bois, ma grand-mère l’art de coudre. Plus tard, devenu adulte, presque naturellement, je me suis tourné vers eux pour vivre de nouveau ces instants où nous communiquions par le geste et j’ai pris mes premières photographies des cabanes de mes grands-parents"."Ces images m’ont convaincu de partir à la rencontre de la parole de nos anciens. J’ai voulu retrouver avec des grands-parents du monde entier ces jeux d’autrefois, riches de transmission, de savoir-faire. Un sac de cordes et de pinces à linges, et les éclairages de mon studio pour seuls bagages, je suis parti sur les sentiers du monde". Dans chaque lieu, il lui faut d’abord trouver un "passeur", souvent quelqu’un de son âge, qui saura convaincre ses propres grands-parents d’entrer dans l’aventure. La cabane est [ainsi] constituée des objets qui ont accompagné la vie de l’aïeul et qui fondent son existence. Ces ustensiles, bibelots, outils sont architecturés, mis en scène, reliés selon les indications et les récits que les grands-parents confient au fur et à mesure du chantier. La cabane prend alors sa dimension d’espace dévolu à la parole, à la lumière, à la mémoire et au partage. Pour certaines réalisations, jusqu’à 40 personnes m’ont aidé, des spectateurs accourant parfois par centaines. Profitant de l’aubaine d’une scène ouverte et d’un public réuni, des membres de la communauté s’improvisent soudain orateurs. La cabane reste une, la parole se démultiplie. Jusqu’à nous...nicolashenry.com

Né en 1958, à Madrid, Chema Madoz découvre la prise de vue et le tirage photographique en autodidacte au début des années 1980, dans l’effervescence créative de la Movida. L’artiste compose ses photographies à partir d’un vocabulaire d’objets qu’il combine, retravaille, assemble, oppose jusqu’à obtenir des rencontres inattendues, où le surréalisme et l’absurde ne sont jamais loin.Dans son atelier, le photographe accumule des objets glanés dans les brocantes, les boutiques ou les poubelles, comme un cabinet de curiosités anodines qui attendent d’être révélées. Les objets choisis paraissent être issus d’un imagier atemporel : souliers, livres, montres ou échelles. Chema Madoz les extrait de leur banalité utilitaire pour réaliser les rêves auxquels ils semblent aspirer.Dans le sillage du Surréalisme, le photographe se fait alors sculpteur, transformant ces objets par des jeux de collage, de juxtaposition et de reflets.Le choix du noir et blanc, à l’argentique, les soustrait encore davantage du monde réel, l’accent étant porté sur leur forme et leur texture.Loin du matérialisme et des règles de la société de consommation, le spectateur est alors invité à reconsidérer leur usage et leur beauté.Depuis près de trente ans, Chema Madoz construit ainsi une œuvre à part qui réussit à échapper aux modes. Dans des tonalités chaudes, avec un format et une édition toujours en accord avec le sujet, ses clichés décrivent l’inventaire poétique d’une réalité transfigurée par un regard illusionniste.chemamadoz.com

Dès l’âge de 13 ans, Henri Salesse (1914-2006) travaille chez Photolith, une imprimerie spécialisée dans la reproduction photo-mécanique, tout en se formant en autodidacte..Il obtient des diplômes de la Revue française de photographie, mais la guerre éclate. Le voilà affecté en 1939/1940 à la section photo de la base aérienne de la Malmaison dans l’Aisne. Deux ans plus tard, il prendra des cours à la Société française de photographie et de cinématographie. En 1945, le jeune trentenaire compte déjà 18 ans d’expérience en photographie. Il est alors recruté par le Ministère de la Reconstruction et de l’Urbanisme qui l’enverra en mission à travers l’Hexagone jusqu’en 1977.Il devient ainsi l’un des observateurs privilégiés de la transformation radicale du territoire français, prenant avec son 6x6 des milliers de clichés. Au cours de ses tournées photographiques, il constate le délabrement du pays au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, suit les vastes chantiers de reconstruction et assiste à la transformation des villes et des campagnes.  Mondes anciens et nouveaux se croisent à travers son objectif. Henri Salesse photographie l'architecture mais aussi les rues populaires, les jardins domestiques, les cafés, la lessive faite en commun, les intérieurs délabrés...Regard sociologique et protocole de prise de vue visant à une neutralité documentaire : le travail de ce photographe « technicien », sa relation au paysage et à l’espace urbain, évoquent les productions de certains auteurs de la DATAR ou de nombreux photographes contemporains. Une exposition lui est consacrée à la Maison de la Photographie Robert Doisneau, jusqu’au 24 avril 2016.maisondoisneau.agglo-valdebievre.fr

« J’acceptais alors une commande pour un guide touristique sur Paris, avec le cahier des charges suivant : produire des images ensoleillées de la capitale. C’est à la météo catastrophique de ce printemps-là que je dois l’idée de « Paris sous la pluie », une série de photographies à contre-courant de l’imagerie touristique de la ville lumière, capturée sous les intempéries.Pris au jeu, j’ai conservé de cette expérience une relation très particulière au mauvais temps, un amour quasi fusionnel qui m’a amené à créer un univers visuel poétique lié aux variations météorologiques. »Un typhon à Hong Kong, un déluge à Tokyo, une tempête à New-York, la pluie au Groenland, la mousson indienne, les neiges islandaises, le blizzard à Étretat, à Bucarest ou à Chicago… : aucune condition climatique n’arrête Christophe Jacrot,bien au contraire !Il s’intéresse justement aux humeurs du ciel, à leur dimension imprévisible et à leur potentiel onirique. Une infinie variation d’ambiances et d’atmosphères que l’ouvrage « Météores », sorti en 2015 aux éditions h’Artpon, présente à travers quelques-unes de ses plus belles photographies. « La pluie, la neige, le « mauvais temps », offrent des univers visuels qui généralement nous échappent parce que nous les fuyons en cherchant à nous mettre à l’abri. J’ai voulu en capter les lumières subtiles, le fort pouvoir évocateur et romanesque, en adoptant une approche délibérément picturale et émotionnelle. »christophejacrot.com