Actualité
à la Une

A-t-il été facile pour vous d’intégrer le monde de la photographie ? J’ai intégré la photographie très tôt car j’ai commencé à travailler dans un magasin de photo avant même de faire l’école. C’était une véritable passion. Vous passez de la photo au cinéma, qu’est-ce qui vous attire dans le cinéma ? J’aime bien travailler avec plusieurs médiums ; j’écris également et je fais de la vidéo. J’ai eu des expériences de cinéma fiction car j’aime bien faire des choses que je n’ai jamais faites auparavant. J’ai saisi l’occasion de faire des films lorsque cela s’est présenté mais je ne me considère pas comme un réalisateur.  Vous avez étudié la psychologie, comment la mettez-vous au service de l’art ? Je la mets plutôt au service de la pédagogie. Dans la pratique artistique, c’est important pour moi de lier le développement personnel avec la créativité et de voir comment ça s’articule. Aussi, mon sujet principal reste l’humain ; je m’interroge souvent au sujet de ma relation avec la personne que je photographie comme un fonctionnement un peu ontologique de ma position par rapport à mon sujet. Qu’apporte la psychologie dans vos workshops avec les étudiants ? L’idée de base c’est quand même d’aider chaque étudiant à trouver sa propre créativité, son propre langage et cela se fait, à mon sens, en allant chercher au fond de soi par rapport à sa propre histoire et même aussi aux traumas. Je pense que c’est là où l’on peut trouver la source de la créativité. Cela est très souvent spécifique de notre histoire familiale, culturelle et sociale. Donc c’est en creusant vers des couches plus profondes, la psyché, que l’on peut trouver des choses intéressantes à raconter et disons vraiment originales. Pourquoi intervenez-vous à l’ETPA ? J’ai commencé à faire des stages à l’ETPA 5 / 6 ans après être sorti de l’école ; c’est une longue histoire et c’est toujours un plaisir de retrouver l’équipe ainsi que de nouvelles générations d’étudiants afin d’essayer de leur faire partager ma connaissance ; leur montrer que la création est une affaire de liberté et les aider à lutter contre l’autocensure, à libérer leur créativité, c’est ça qui m’intéresse. Quels sont les acquis qui vous ont le plus été utiles dans votre carrière ? Le fait d’avoir une formation à l’ETPA, d’avoir l’occasion de travailler en chambre et de couvrir un peu tous les champs de la photographie. Egalement, la rencontre de la culture photographique qui s’est vraiment passée au moment où j’ai étudié à l’ETPA ; disons qu’il y a quelque chose qui s’est déclenché à ce moment-là. Ce qui est important dans les acquis c’est de se nourrir de choses telle que la culture visuelle. Quand on se dédie à travailler dans l’image, il y a une sorte de flux continue d’influence. J’acquiers les connaissances qui sont nécessaires dans le travail que je suis en train de faire.Aujourd’hui, que retenez-vous de votre formation à l’ETPA ? Ce que je retiens c'est la rencontre avec la culture et une sorte de vision d’ensemble, un recul de toute la gamme des pratiques photographiques. Que souhaitez-vous transmettre aux étudiants lors de vos interventions ? Un esprit d’aventure sans doute ; prendre des risques et voir ce que ça donne vraiment. L’expérimentation : comment lutter contre les préconceptions que l’on a par rapport à ce que l’on peut faire, ce que l’on s’autorise à faire ; aussi, comment se libérer de ce que pensent les autres de ce que je suis en train de faire, essayer de vraiment travailler contre l’individualisation : qu’est-ce qui m’est propre et qu’est-ce que je peux vraiment raconter qui me soit propre. Qu’est-ce qui est le plus important pour vous lors de l’apprentissage de la photo ? J’insiste beaucoup sur le rapport au gain des outils du langage photographique, quel format je prends… toutes les étapes jusqu’à la mise au mur, à la mise en forme finale. Egalement, il faut vraiment réfléchir à des choses basiques comme qu’est-ce qu’une photo verticale va amener par rapport à une photo horizontale… Réfléchir sur les effets de nos choix et dans un travail achevé, comprendre cette adéquation de tous les éléments qui sont mis ensembles et qui à la fin vont renforcer le propos initial.Quelles sont les qualités humaines qui vous paraissent nécessaires pour travailler en tant qu’auteur ? L’esprit de curiosité, l’envie d’aventure intérieure, une sorte de recherche incessante de ce qui vous anime. Où est son désir… Personnellement, quand quelque chose me fait peur je sais que c’est là où je dois aller. Une sorte de confrontation pour tout ce qui questionne la frontière et qu’est-ce qui se passe après la frontière, qu’est-ce qui se passe une fois qu’on a passé le pas et qu’on est un peu de l’autre côté du miroir.Quelles sont vos actualités et vos projets ?   En ce moment j’expose à la Fisheye Gallerie à Paris avec de la photo et de la vidéo qui tourne autour de l’ère Trump et de ce que c’est que cette Amérique qui nous surprend et qui nous effraie. Essayer d’aller voir en pays « Trumpiste » et de comprendre qui sont ce gens-là.Jean-Christian Bourcart expose actuellement à la Fisheye Gallery

Noell Oszvald est une jeune photographe autodidacte originaire de Budapest. C’est en 2013 qu’elle a commencé à se faire connaître grâce à sa galerie Flickr, en révélant qu’elle avait commencé la photographie seulement un an auparavant. En effet, l’une de ses premières séries minimalistes en noir et blanc apparaît totalement aboutie. Dans un style toujours très poétique, intimiste, proche du rêve, ses travaux évoquent l’harmonie entre l’homme et son environnement, et notamment la dualité entre les civilisations humaines et la nature. Malgré une profonde timidité, Noell s’utilise en tant que modèle. Même si cela se révèle plus complexe techniquement, elle explique en interview que ses images s’avèrent tellement personnelles, qu’elle trouve plus honnête de jouer le rôle du sujet. Elle admet également que la couleur pourrait la distraire de ses concepts, d’où le choix du noir et blanc. Cependant, même si elle se retrouve souvent au centre de ses œuvres, le soin méticuleux des mises en scène, des éclairages et de cadres laissent largement la place à l’imagination. Elle s’essaye d’ailleurs à d’autres médiums comme le dessin et la modélisation 3D, utilisant ces nouveaux outils pour y décliner l’atmosphère de ses photos, faisant mûrir un peu plus chaque jour son univers si singulier. Une artiste à découvrir et à suivre sur son site et son compte instagram.

Situé à mi-chemin entre portrait documentaire et portrait cinématographique, le photographe danois Ken Hermann, combine éclairage artificiel et naturel visant à donner une vision surréaliste, voire onirique de gens ordinaires. Passionné par les Hommes et leur histoire, il voyage dès qu’il en l’occasion et s’est récemment découvert une profonde passion pour l’Inde et sa culture ancestrale. C’est justement suite à un voyage là-bas qu’il a conçu sa série « Flower Men », dévoilant le portrait de vendeurs de fleurs. La ville de Calcutta va terriblement l’inspirer dans sa démarche ; dans les vieux quartiers, on peut encore y trouver une ambiance tout à fait authentique. Le temps semble s’y être arrêté...Les couleurs, les lumières et les multiples atmosphères en font un lieu idéal pour tout photographe. C’est en découvrant le marché aux fleurs Malik Ghat, qu’il a puisé l’essence de cette série. Il s’agit du plus gros marché aux fleurs d’Inde, attirant chaque jour plus de 2000 vendeurs. En plus de ses superbes portraits photographiques, chaque voyage est l’occasion de réaliser des vidéos qui viennent compléter et mettre en perspective son travail de photographe. Son site est une authentique invitation au voyage, avec une multitude de travaux oscillant entre surréalisme décalé et culture ancestrale.

Pour la première intervention dans la cadre du cycle annuel 2017-2018 « Les grands témoins de la photographie », le photographe Cyrille Weiner viendra rencontrer les étudiants en formation Photographie. Cyrille Weiner est un photographe subjectif du paysage. A partir d’enquêtes précises de type documentaire menées sur les lieux, le photographe pose la question de l’espace, notamment dans ses marges et ses lieux de transformation. Se demandant obstinément comment les individus peuvent prendre emprise sur leurs lieux de vie, Cyrille Weiner quitte peu à peu le seul registre documentaire pour proposer un univers traversé par la fiction, qu’il met en scène par des expositions, des projets éditoriaux et des installations.Né en 1976, son travail est publié dans la presse nationale et internationale et exposé notamment au Musée d’Art Contemporain de Lyon, aux Rencontres d’Arles, à la Villa Noailles à Hyères ou actuellement à la Bibliothèque Nationale de France. Auteur de plusieurs ouvrages dont “La fabrique du pré” (éditions Filigranes - 2017), il a reçu le prestigieux Prix Rodolphe Hervé et Lucien Hervé en 2012. Cette conférence dont la modération est assurée par Philippe Guionie, enseignant en Cultures et sémiologie de l’image, se déroulera dans l’auditorium de l’école vendredi 24 novembre de 9h à 12h et de 14h à 17h.

Adélaïde Maisonabe, ancienne étudiante en formation Praticien Photographe à l’ETPA, a le plaisir de vous inviter à son exposition « Fragment ». Cette photographe, élue Grand Prix Photo ETPA de la promotion 2015, organise son vernissage le 24 novembre à 19h au Centre Culturel de Rieupeyroux, Espace Gilbert Alauzet !Mais elle travaille également en équipe ! Elle est associée au photographe Xavier Seyler avec lequel a été créé Nuuk, « deux regards, une équipe complémentaire ». Basés en Midi-Pyrénée, Nuuk répond à l’ensemble de la problématique touchant à la prise de vue, dans le but d’apporter conseils et expertise pour rendre chaque production originale.Pour en savoir plus sur Adélaïde, rendez-vous sur son site et son compte Instagram.

Photographe originaire de Norvège, Oystein Aspelund a récemment présenté une nouvelle série intitulée « Getting Lost ». Travaillant à la fois en argentique et en numérique, il n’hésite pas à utiliser, parfois, des boîtiers rudimentaires comme pour sa série « Twilight », réalisée avec un simple compact, mais sans pour autant que le fond de sa démarche en pâtisse. Oystein Aspelund est un photographe en quête de sens, qui développe des projets réagissant et répondant à leurs environnements. En interview, il confie sa fascination pour les contrastes qui opposent la nature aux civilisations humaines. Cette démesure entre deux mondes qui coexistent constitue la clef de voûte de son approche créative.C’est ainsi là, l’essence qu’il cherche à explorer et à représenter dans ses clichés. Chacune de ses séries possède un concept unique, réalisé à travers un ensemble de règles qu’il s’efforce de suivre. « Getting Lost » s’apparente ainsi à un labyrinthe de lieux aléatoires, visant à s’éloigner de la vie quotidienne, à s’échapper de la routine pour aller se perdre dans des endroits encore chargés de mystères. Cette série invite à l’évasion et éveille le besoin de trouver des réponses et des explications aux grandes questions qui nous entourent. Un artiste qui mérite le détour, à découvrir sur son site et sur sa galerie Behance.

Comme chaque année, le séjour à New York est un incontournable de la formation Photographie de l'ETPA !Après un long trajet qui s’est bien déroulé, les étudiants et professeurs sont arrivés à New York, certes quelque peu fatigués mais excités de mettre les pieds sur le Nouveau Continent ! Les 3 formations, BTS Photographie, Praticien Photographe et 3e année de Spécialisation se sont donc réunies pour faire ensemble ce voyage de l’autre côté de l’Atlantique. Un séjour riche découvertesLe séjour a débuté par un petit tour en bateau et une bonne promenade dans Central Park, suivie par une visite du Rockefeller Center, la fameuse 5e Avenue, la Cathédrale, et enfin, le Grand Central Station.  Le lendemain s’est enchaîné avec une visite du quartier de Wall Street, du mémorial et du Brooklyn Bridge, une grosse journée « mais ça vaut le coup de souffrir! ».S’en est suivie une nouvelle belle journée sous le beau temps ; Rockefeller Center, Coney Island et Empire State Building étaient au programme. Une pluie diluvienne s’est invitée pour l’avant dernière journée. Celle-ci s’en est retrouvé compliquée, mais les musées ont gardé leurs portes ouvertes pour que les étudiants puissent en profiter ! Pour le dernier jour, une session photo du lever de soleil s’est organisée, petite soirée et bon repas ont conclu ce séjour inoubliable !

Le photographe britannique Kurtiss Lloyd a visité pour la première fois de sa vie la ville de Moscou. Il s’est retrouvé à la fois surpris et fasciné par les contrastes entre la dimension majestueuse des monuments historiques, et la sévérité rigide et stoïque des constructions modernes. Lui-même ancien danseur, il en a profité pour prendre contact avec l’école de ballet du Bolchoï, afin d’y rencontrer des danseurs et développer avec eux une série de photos visant à représenter visuellement cette sensation. À travers une série de clichés en noir et blanc, Kurtiss Lloyd fige ainsi la beauté des corps des artistes avec en fond les toits gris et mélancoliques du Moscou d’aujourd’hui.En sortant les danseurs de leurs habituelles dorures et autres scènes à rideaux de velours, cette approche très contemporaine souligne les paradoxes omniprésents dans l’architecture de cette ville, à mi-chemin entre les vestiges du passé et la modernité galopante. En outre, on peut aussi découvrir sur son site une grande diversité de sujets et de techniques, à travers lesquels on distingue une sensibilité toute particulière pour les portraits et l’esthétique de ses mises en scène. Son travail sur les regards se révèle aussi particulièrement soigné et la grande diversité des sujets capturés mérite vraiment le détour.Rendez-vous sur son site.

Initialement formé à l’architecture, Eric Randall Morris a développé de multiples compétences dans le domaine de l’image, dont la photographie. Pour avoir grandi sur la côte Est des États-Unis, ses banlieues quadrillées et ses rangées de maisons toujours impeccablement ordonnées demeurent sa principale source d’inspiration. Après quelques années passées à Boston, il vit et travaille aujourd’hui à San Francisco. Il qualifie sa série de montages photographiques architecturale, intitulée « An American Hyperreality », de dystopique, métaphysique et onirique. Rien de moins. Ce projet a commencé avec des habitations photographiées lors de promenades dans différents quartiers de Boston. Initialement, il souhaitait réaliser un catalogue de références afin de travailler sur des adaptations de constructions selon les besoins d’agences et de clients.Cependant, sa démarche s’est peu à peu transformée en manipulant ces multitudes de façades et ces bâtiments sur Photoshop. En observant leurs détails, leurs bizarreries, moyennant quelques corrections et déformations, elles ont commencé à prendre vie. Fasciné par ce processus, il explore désormais les symétries, les répétitions de motifs et les couleurs. Il interprète ainsi ses rêveries et donne naissance à de nouveaux mondes. Les techniques utilisées diffèrent à chaque image, et ses résultats évoluent et se dévoilent au fur et à mesure du processus de retouche. En décontextualisant ces bâtiments, cette série met aussi en lumière une critique décalée de l’architecture américaine. Un artiste au style authentique à découvrir plus en détail sur son compte Instagram.

Edelkrone fait partie de cette génération de sociétés innovantes qui sont nées sous l’impulsion des plateformes de financement participatives, il y a quelques années. Cependant, si beaucoup ont profité d’un effet « one shot », d’autres se sont réellement révélées et continuent sur leur lancée. C’est notamment le cas de la société Edelkrone qui s’est très vite fait un nom dans le petit monde de la photo et de la vidéo. Depuis quelques années, l’équipe n’a de cesse de concevoir et de développer des outils aussi spécifiques qu’incontournables pour les photographes et les vidéastes dans le coup. Du support permettant de monter un boîtier sur n’importe quel pied en moins de 3 secondes, en passant par le rig d’épaule modulable ultraléger, en allant jusqu’au module de motioncontrol sur rail télécommandé par téléphone…Bien plus que de simples gadgets, la qualité et l’efficacité sont au rendez-vous. Le nouveau SurfaceOnePour exemple, leur dernière nouveauté répondant au petit nom de « SurfaceOne », est un pied téléguidé à roulette, qui permet de réaliser très simplement des clichés, des plans ou des timelapses le long d’une trajectoire linéaire ou courbe. Totalement contrôlable par n’importe quel téléphone portable ou tablette, le SurfaceOne fait partie de ces quelques outils qui peuvent vite se révéler indispensables lors d’une séance de shooting ou de tournage. Un constructeur à suivre de près !

Ancien élève en BTS Photographie et 3e année de spécialisation à l’ETPA, Yohan Burel est Photographe de mode et Opérateur Numérique, responsable du pôle acquisition chez Pardon my French. Il est venu présenter le métier d’Assistant Numérique aux 3e année et aux BTS 2e année. Les élèves ont eu une présentation du rôle de l’opérateur dans une équipe de prise de vue. Yohan a abordé avec eux les compétences à avoir afin de gérer le flux d’image, les connaissances globales en lumière et sur le logiciel Capture One. Les élèves ont ensuite fait un workshop afin d’aborder la pratique du logiciel lors de prises de vue au studio Lucette.Ils ont été sensibilisés à l’importance des connaissances à avoir et au rôle de l’opérateur en tant que garant de la sauvegarde du travail du photographe, assistant quelquefois le photographe lors de conditions de prise de vue plus intenses (studio, extérieur).Yohan a insisté sur le fait que c’est un métier et pas seulement un passage obligé, qui pouvait amener à voyager, à se faire des contacts et à former une équipe pour les photographes en devenir.Pour en savoir plus, rendez-vous sur son site et sur sa page facebook.

Originaire de la ville de Munich, Bernhard Lang est aujourd’hui un spécialiste de la photographie aérienne. Photographe vétéran exerçant depuis plus d’une vingtaine d’années, c’est en 2010 qu’il décide de se consacrer plus particulièrement à la prise de vue aérienne. Il réalise ainsi le projet « Aerial Views » composé de plusieurs séries, dont « Harbour » (série sur des ports), « fish farm » (série sur des piscicultures) ou encore « Adria » (série sur des plages) et « tulip fields » (série sur des champs de tulipes). Les vues capturées s’avèrent magnifiques et les résultats obtenus révèlent la beauté intrinsèque de la terre vue du ciel à travers une dimension toujours très graphique, voire même picturale. Ce regard original vu d’en haut lui rappelle son goût pour la peinture abstraite, dont on peut effectivement rapprocher l’aspect artistique de ses clichés.Pour ce genre de projet, il avoue cependant que le planning et l’organisation demandent beaucoup plus de préparation qu’une «simple» séance shooting sur la terre ferme, et on ne parle pas ici de tournage avec un simple drone...  Après avoir trouvé un lieu, il faut identifier et définir le trajet aérien, pour enfin louer un hélicoptère ou un petit avion pour réaliser le parcours!  Il lui arrive d’ailleurs régulièrement de ne pas suivre exactement le chemin initial, pour aller spontanément vers des paysages plus riches visuellement ou plus intrigants. Ses galeries Instagram et Behance donnent une idée plus précise de la qualité de son travail, n’hésitez pas à aller y voyager.