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Son métier On retrouve le retoucheur numérique en aval du travail du photographe. C'est, en effet, en post-production qu'il officie, puisqu'il intervient sur les créations de ce dernier, dont il va améliorer le rendu, gommer les petites imperfections, supprimer des éléments ou encore retravailler la luminosité.Une fois le cliché finalisé, le retoucheur numérique livre son travail au commanditaire du projet.Ses outilsDans le cadre de son activité, le retoucheur numérique peut être amené à travailler en agence, en indépendant ou en tant que salarié. S'il utilise souvent les mêmes outils informatiques, comme Lightroom ou Photoshop pour ne citer que les plus célèbres, il s'épanouit dans la diversité des photos qu'il retravaille, et des univers qu'il côtoie (publicité, mode, photo-reportage, photo culinaire…). Ses qualitésPlus il saura faire preuve de sensibilité artistique et d'une écoute attentive, afin de comprendre la culture et l'identité de la marque qui le sollicite, plus son travail sera pertinent et efficace.Bien qu'il ne soit pas rare de voir les photographes retoucher eux-mêmes leurs clichés, le métier a gagné en technicité, et le retoucheur numérique a su trouver sa place, notamment auprès de professionnels souhaitant se consacrer entièrement à leur art, ou dans le cadre d'importants projets photographiques.Crédits photos : belgioitaly, Juan Rubiano, Sbn1984

Son parcoursEn 2003, Anne-Sophie Emard part à Montréal dans le cadre d’une résidence, le roman « Sanctuary » (1931) de William Faulkner dans ses bagages. « Je découvrais une construction littéraire qui m'a énormément nourrie dans ma démarche, dans ce désir de révéler une "marqueterie mentale" en créant mes images et en les associant », explique-t-elle. Les espaces contrastés du Canada – et les films d’Antonioni où l’environnement prend des teintes psychologiques – l’amènent à envisager le paysage non comme un décor, mais comme un protagoniste dans ses séries de diasecs (« Sanctuaire » 2003-2013, « Personnage Paysage » 2009-2014). Son styleDès 2006, l’emploi de caissons lumineux lui permet de mêler ses prises de vue à des captures de films de cinéma. « Dans mes photographies, le hors-champ est toujours présent ; dans les lightbox, il s'agit également de "hors temps" car la construction et la nature lumineuse de ces réalisations leur confèrent toutes les caractéristiques d'un arrêt sur image,d'une "mise sur pause". Je renforce cette idée par l'utilisation d'un procédé cinématographique appelé le split screen. »Ses oeuvresKate Winslet, Monica Vitti, Faye Dunaway et d’autres actrices apparaissent ainsi, en images parcellaires au milieu de paysages. Selon Jean-Charles Vergne, directeur du FRAC Auvergne, les paysages, par l’irruption de ces images imaginaires, « se voient contaminés d’une puissance fictionnelle, source de projections et d’étrangeté. […]En langage cinématographique, on nomme "effet Koulechov" cette façon qu’ont les images de s’influencer mutuellement lorsqu’elles se trouvent mises en vis-à-vis. Cet effet, qui agit sur notre perception inconsciente des images, est l’une des techniques favorites d’Anne-Sophie Emard […] », qu’elle explore également dans des vidéos.Crédits Photos : Anne-Sophie Emard (Les photos publiées sont des détails)annesophieemard.com

Ted Gore est un photographe Américain qui s'est vu décerner en 2015 le prix du Meilleur Photographe Paysagiste Américain.Basé en Californie, il est fasciné par la nature et les grands espaces ce qui l'amène naturellement à photographier des paysages tous plus envoûtant les uns que les autres.Il passe beaucoup de temps à l'extérieur où il s'expose aux éléments pour réaliser des photographies de lave en fusion, de lac gelé, de cascade en plein milieu de la forêt... Il prend principalement ses clichés en Patagonie en Argentine, à la Sierra Nevada en Californie, aux Dolomites en Italie mais également dans tous les chemins et routes de montagnes qu'il va rencontrer.Son StyleLa majorité de ses photographies sont prises à la verticale, ce qui leur donne une certaine force et profondeur montrant ainsi toute la puissance et la beauté de la nature.Son matérielActuellement, Ted Gore utilise un Nikon D810 ainsi que les optiques Nikkor 14-24 mm f/2.8, Nikkor 70-200 mm f/4 et, de temps en temps, il utilise le Tamron 24-70 mm f/2.8 VC.Un artiste pluridisciplinaireTed mène également de nombreux workshops et publie des vidéos d'instruction qui montrent à l'internaute comment il crée ses images. "J'aime prendre ce que la nature crée et le mélanger avec ma propre vision créative pour en faire quelque chose qui n'appartient qu'à moi."Crédits photos : Ted Gore tedgore.com

Thomas Mathieu Bertrand est un ancien élève du BTS et de la 3ème année de Photographie de l'école ETPA. Il a obtenu son diplôme BTS en 2014 et son diplôme de 3ème année en 2015. Il est d'ailleurs nommé mention spéciale du jury de l’ETPA. Son travail Il travaille dans le milieu de la publicité/mode en tant qu'assistant photographe et au sein du studio Chez Lucette.Son parcoursAprès ses études, il est devenu l'assistant de plusieurs photographes. En Avril 2016, il s’associe au Studio Chez Lucette, dans lequel il avait déjà travaillé dans le cadre d'un stage, et en devient le gérant et l'associé."Je pense que ma jeunesse n’est pas un problème, car je suis bien entouré. Je sais que si j’ai besoin d’aide, mes associés sauront me la donner, m’accompagner et me conseiller". Son message"Il faut vraiment s'accrocher. Produire de l'image tout le temps, commencer, recommencer. C'est un milieu où il faut avoir les crocs pour se faire une place, et pour finir par faire ce que l'on a envie. Globalement, il ne faut pas baisser les bras, et mettre la photo au premier plan dans sa vie. Après ça, il n'y a pas de raison que ça ne marche pas, ça devrait dérouler!"Crédits photos : Thomas Mathieu Bertrand thomasmathieubertrand.com

À son arrivée à New York en 1982, le photographe anglais Adam Fuss (né en 1961) expérimente de façon autodidacte, sans avoir recours à un appareil photo.Les photogrammes lui permettront de « faire », et non de « prendre », ses images. Plus proches des toutes premières photographies d’Henry Fox Talbot que des rayogrammes de Man Ray, il s’attache aux éléments naturels, à leur forme et à leur force.Il capture ainsi, sur un support photosensible, les ondes de gouttes de pluie, les silhouettes de deux lapins viscéralement unis pour l’éternité, ou l’ombre grenouillesque d’un bébé sur une surface aquatique.« C’est généralement toute mon expérience au sein de la nature et ce que j’ai vécu dans mon enfance que je re-conceptualise dans mon studio », explique-t-il. D’autres mises en scène prennent des allures fantomatiques telles ces robes dans lesquelles Adam Fuss glisse des serpents. Leurs physionomies sinueuses semblent alors flotter comme des ectoplasmes, animant de leur énergie le vêtement sans vie.Cette image d’une robe sans corps, ni tête, peuplée de serpents, évoque pour l’artiste le mythe de la Méduse.Elle est aussi représentative de sa fascination pour ces reptiles dont il possède un grand nombre de spécimens dans son studio new-yorkais.« Quand j’ai commencé à faire des photos de serpents se déplaçant dans l’eau, c’était dans une vision très positive. Ils voulaient s’échapper et être libres. Ils véhiculent pourtant une image négative. Je m’intéresse à ce paradoxe et à la compréhension de cette perception péjorative. » Parmi les procédés techniques anciens, Adam Fuss se passionne également pour les daguerréotypes, persistant à être étonné par leur procédé de réalisation.Crédits photos : Adam Fuss Adam Fuss

Kostennn, de son vrai nom Antonio Jaggie, est un jeune photographe américain originaire du New Jersey. Il attrape très jeune le virus de la photo, et s’est fait connaitre ces dernières années à travers de nombreuses séries de clichés qui dépeignent le visage d’une Amérique qui a perdue ses rêves de gloire ou de grandeur, et qui se cherche plus que jamais aujourd’hui.Photographe compulsif, il se définit lui-même comme un explorateur passionné de la jungle urbaine.Dans ses œuvres, il offre un regard authentique sur ce qui l’entoure, variant sans cesse les cadres, les points de vue et les sujets.Voyageant d’État en État, il s’intéresse tout particulièrement aux lieux abandonnés, délabrés, oubliés, encore hantés de souvenirs dans lesquels règnent des atmosphères lourdes et pesantes. Partageant très régulièrement ses travaux sur les réseaux sociaux, il s’est très vite fait un nom et signe désormais toutes ses œuvres par le pseudonyme Kostennn.Il a déjà publié plus d’un millier de photos sur Instagram et compte aujourd’hui plus de 215 000 abonnés, qui guettent assidument le moindre instantané qu’il publie.Il propose aussi de nouvelles séries de photos chaque semaine sur son blog personnel, et vous y trouverez ses archives depuis le mois de janvier 2014.Crédits Photos : Kostennn 

De ses études d’anthropologie à l’université d’Edimbourg, Alinka Echeverría (née en 1981) a conservé son intérêt pour l’identité, la mémoire collective ou encore l’impact de la religion et de la politique au sein des communautés sociales et culturelles à travers le monde.Sa formation en photojournalisme à l’International Center of Photography de New York a certainement forgé ce regard documentaire qu’elle s’attache à poser sur ses sujets : à Cuba, auprès des vétérans de la révolution, ou au Soudan du Sud, dans le contexte tendu de la naissance d’une nouvelle république. Parmi les nombreuses distinctions qu’elle a jusqu’ici remportées, elle fut lauréate en 2011 du prix HSBC, pour une série réalisée au Mexique, son pays natal. « Sur le chemin de Tepeyac » dresse une sorte de typologie.Chaque année, six millions de pèlerins cheminent vers la basilique de la Guadalupe près de Mexico avec, accrochée dans leur dos, l’effigie de la Vierge qu’ils possèdent – que ce soit sous forme de tableau, de sculpture ou d’image tissée. Alinka Echeverría a ainsi photographié les silhouettes de près de 300 pèlerins dans toute la beauté et l’étrangeté de leur harnachement.Lauréate 2015 de la Résidence BMW au musée Nicéphore Nièpce, elle exposera, aux prochaines Rencontres de la photographie à Arles, sa série intitulée « NICEPHORA » aux multiples résonances philosophiques. Cette fois, elle se penche sur la représentation des femmes dans l’histoire des arts – particulièrement à l’époque coloniale – et formule des rapprochements entre photographie et céramique. Dans ses clichés, l’amphore, vecteur d’allégories mythologiques, symbolise notamment la féminité.alinkaecheverria.com

Pour « Inside Views » (2004-2011), Floriane de Lassée (née en 1976) a promené sa chambre grand format de New York à Shanghai, Tokyo, Las Vegas ou Istanbul… À première vue, de vastes paysages urbains. Un regard plus attentif révèle pourtant la présence de femmes dans l’intimité de leur espace privé. Sous notre regard de voyeur, elles se montrent en total décalage avec le monde qui les entoure, jouant leur saynète de manière autonome.La série « Présences » reprend ce motif, cette fois-ci hors de tout contexte. Donnant pour consigne à ses modèles de chercher à passer de l’autre côté de la paroi semi-opaque, la photographe saisit les poses au moment où les zones de contact deviennent des îlots de netteté.Un dispositif de caissons lumineux reproduit à échelle humaine ces silhouettes éthérées, suscitant tour à tour l’attirance, l’effroi et la fascination, entre sensualité et animalité. De ces voyages à travers le monde, la photographe ramena également les séries « Half the Sky » et « How Much Can You Carry ».Cette dernière est née de sa fascination pour les files de marcheurs portant des charges aussi variées que volumineuses le long des routes africaines.Commencée en 2012 et toujours en cours, cette série s'est peu à peu étendue aux quatre continents, avec une quinzaine de pays représentés aujourd'hui (Rwanda, Ethiopie, Népal, Japon, Indonésie, Bolivie, Brésil,...).Floriane de Lassée se plaît ainsi à offrir un autre regard, allant jusqu’à retourner littéralement les perspectives à l’aide d’une chambre photographique 4×5. « Elle nous fait ainsi découvrir une autre dimension de notre vie quotidienne, la "vie d’en dessous" », explique-t-elle au sujet de la série « Ciels de Seine » initiée en 2011.florianedelassee.com

Lauréat du Prix HSBC pour la Photographie en 2012 et du Prix de Photographie Marc Ladreit de Lacharrière - Académie des Beaux-Arts en 2014, Éric Pillot (né en 1968) ne se destinait pas à une carrière artistique. Après avoir effectué des études scientifiques (École polytechnique et agrégation de mathématiques), étudié la musique et exercé plusieurs années en tant qu’ingénieur, il découvre le médium photographique qu’il met au service de séries poétiques consacrées aux paysages (« Horizons ») et aux animaux (« Zoos », « D’ours », « In situ », « In situ 2 »). « L’animal me fascine comme un être étrange, beau et singulier. À travers mes images, j’essaie de le représenter dans toute sa beauté, et, d’une certaine façon, de me rapprocher de lui », confie-t-il. « In situ - Etats-Unis » est ainsi consacrée aux pensionnaires des parcs zoologiques de l’Est des États-Unis, série s’inscrivant dans le prolongement de son travail mené dans les zoos européens depuis plusieurs années.« L’architecture et les décors des zoos sont intéressants à photographier, car ils sont riches d’influences et empreints de la culture visuelle et artistique, populaire et savante, de leur pays. »Sans manipulation ou retouche numérique, ses images véhiculent une infinité d’impressions : projection de l’imaginaire dans ces décors évocateurs des contrées d’origine des espèces, sensation picturale, humour, empathie,… « Mon travail est aussi une métaphore : je m’efforce d’isoler l’animal dans mes images (alors qu’il vit rarement seul dans les zoos) afin de favoriser une rencontre, une rencontre avec l’"Autre" : un Autre que j’essaie de représenter avec noblesse et une certaine proximité, un Autre dont nous devons prendre soin, un Autre que je regarde, mais que je laisse aussi me regarder. »Crédits photos : Eric Pillot ericpillot.com

Son parcoursPablo Baquedano a suivi la formation de praticien photographe au sein de l'école ETPA de Toulouse pendant trois ans. Les deux premières années lui ont apportés les bases techniques et théoriques nécessaires pour maîtriser l'ensemble des pratiques photographiques. La troisième année était basée sur le suivi de projets personnels, avec comme professeur référent Mr Pierre Barbot, qui a amené Pablo Baquedano et ses camarades à forger leur propre approche de la photographie.Ses rencontresIl a pu rencontrer de nombreuses grandes figures de la photographie comme Jean Christian Bourcart, Ludovic Carème, Gilles Favier, Jane Evelyn Atwood ou encore Sarah Moon. Ce sont ces rencontres qui ont confirmé son goût pour la photographie documentaire. "La France vue d'ici" Pour le projet de Médiapart et Images singulières, "La France vue d'ici", ce jeune photographe a passé 3 saisons à arpenter les Ardennes. Il a pu ainsi observer les dégâts de la crise en photographiant la vie des habitants. Pour lui "la photo, c'est de l'échange", il aime aller à la rencontre de ses modèles. "L'Humain" est d'ailleurs le point commun entre tous ses projets.   A travers celui-ci, il voulait montrer que, même avec la crise, la vie dans les Ardennes continue grâce à tous ses habitants.Ses projets futurs Pablo a prévu de retourner dans les Ardennes pour le printemps, seule saison qu'il n'a pas photographiée, pour boucler le projet pour 2017. Il est à l'affût de toutes opportunités de travailler dans les domaines de la photo de presse et du reportage.Son style Pour Pablo, le noir et blanc a toute sa place dans la photo d'actualité et cela semble, pour le moment, ce qui correspond le plus aux projets qu'il mène selon lui. Les réactions Le reportage photo de Pablo Baquedano a lancé un débat très virulent. "Les gens ont pu être parfois heurtés par des images qu'ils voyaient comme trop tristes, pessimistes", explique t-il, et en effet, ce fut la raison de nombreuses critiques. Mais certains se rangent du côté de l'artiste quand ce dernier explique que "le but du reportage est avant tout de donner une image qui colle au plus près à la réalité du lieu et de ses habitants", en disant qu'effectivement ces photos montrent une certaine réalité du département. Pablo Baquedano

Thomas Balaÿ a beaucoup voyagé, notamment aux Caraïbes où il a découvert la beauté spectaculaire des fleurs tropicales. De quoi nourrir sa grande passion pour le monde végétal. Et pour cause : en plus d’être photographe, Thomas Balaÿ est diplômé d’agronomie tropicale.  C’est aux Etats-Unis, en 2000, qu’il a fait de la photographie une activité à part entière. Il a collaboré avec de nombreuses institutions parmi lesquelles le Planting Fields Arboretum d’Oyster Bay et le Marie Selby Botanical Garden.  Pour la première, il est parti sur les traces des arbres centenaires de la région, et pour la seconde, il a réalisé une exposition itinérante, pendant trois années consécutives en Floride, sur les plantes en voie d’extinction.Originaire du centre de la France, il vit aujourd’hui à Paris.  Pour l’ouvrage intitulé « Orchidées » paru aux éditions Ulmer, Thomas Balaÿ a fait le portrait de soixante-quatre variétés de ces fleurs si singulières, pour l’essentiel sauvages.Chaque cliché est le prétexte à une information botanique, anecdotique ou historique, racontée par Frédéric Pautz, directeur du Jardin botanique de Lyon. Photographiées en gros plan, sur fond noir et de face, les orchidées révèlent leur incroyable diversité et beauté, frisant l’étrangeté comme la perfection. Elles sont, pour l’artiste, de véritables œuvres d’art créées par la nature et ses millions d’années de co-évolution avec les insectes. thomasbalay.com

À travers North End (2015), Géraldine Lay pose autrement la question de la fiction.« En 2009, l’association Diaphane à Beauvais m’a donné carte blanche pour le projet Destinations Europe, j’ai choisi de découvrir Glasgow. Depuis, je suis retournée chaque année dans les villes du nord de l’Angleterre et de l’Écosse. Sans intention purement documentaire, je m’intéresse à ces villes qui ont vécu la fin de l’ère industrielle et qui ont été la toile de fond des grands mouvements sociaux des années 80, marquant ainsi notre entrée dans une nouvelle forme de société. J’aime l’idée de documenter de façon elliptique, une époque, un lieu et d’être porteuse d’histoires.Lauréate 2015 du programme Hors les Murs de l’Institut français, j’ai pu effectuer un long séjour au Royaume-Uni, partagé entre les villes de Manchester, Cardiff, Bristol et Londres, pour clore cette série. J’avais envie depuis longtemps de mêler des photographies de rue avec celles, plus intimes, d’habitants chez eux.Lorsque je photographie dans la rue, j’affectionne ces instants où tout semble posé,installé comme sur un plateau de cinéma où comme le dit Jean-Luc Godard, il faut “essayer de retrouver dans tous ces mouvements de foule le départ de la fiction”.  À l’inverse, photographier les gens chez eux, c’est inévitablement leur demander de poser, les installer, les faire “jouer”. Il faut réussir à leur rendre leur mouvement intérieur. Par l’échange et le temps passé avec eux, je crée un climat de confiance pour réussir à dépasser la seule mise en scène et trouver un équilibre entre la photographie posée et l’instantané obtenu dans l’anonymat de la rue. Ma manière de travailler est très libre, instinctive, attentive aux rencontres, aux lumières, j’avance au fil des allées et venues, de mes lectures sur planche-contact, de la juxtaposition des images. Il s’agit là de confronter l’intime au public, l’immobile au flux, d’observer les décors intérieurs et extérieurs et ainsi de poser autrement la question de la fiction. » La série North End est présentée jusqu’au 30 avril 2016 à la galerie Le Réverbèregeraldinelay.com